« À une époque où les images sont omniprésentes, il me semblait important de revenir à la matérialité de la photographie. » — Matthieu Humery

C’est la première fois que la Collection Pinault présente un ensemble de photographies d’une telle ampleur à la Bourse de Commerce. Quelle place occupe la photographie dans la Collection et comment le choix du titre « Remember Me », inspiré d’une œuvre de Barbara Kruger, est-il venu faire écho à cette sélection ?

Une photographie n’existe que parce qu’on la regarde. Dès lors qu’elle cesse d’être regardée, elle perd de son sens. Cette idée est au cœur de l’exposition. La photographie occupe une place particulièrement importante dans la Collection Pinault, qui rassemble un ensemble considérable d’œuvres. C’est d’ailleurs la première fois que nous présentons à la Bourse de Commerce un ensemble aussi important de photographies issues de la Collection.

Parmi les œuvres exposées figure une photographie de Barbara Kruger, réalisée en 1988. Ce collage, caractéristique de son travail, représente un œil accompagné de ces deux mots : « Remember Me ». C’est une véritable injonction adressée au spectateur, qui l’invite à s’interroger sur son propre regard et sur la manière dont il appréhende les images.

Lorsque je cherchais un titre pour l’exposition, j’ai tout de suite pensé à cette œuvre. Il m’a semblé que cette phrase faisait particulièrement écho au propos de l’exposition, puisqu’elle rappelle qu’une photographie n’existe véritablement que dans le regard de celui qui la contemple. C’est aussi une manière de souligner le lien intime qui unit la photographie à la mémoire, à la trace et au souvenir.

Vous avez invité l'artiste américaine Barbara Kruger à concevoir une intervention spécifique pour la Rotonde. Comment avez-vous imaginé ce projet avec elle ?

Barbara Kruger entretient un lien très fort avec la photographie, notamment parce qu’elle associe constamment l’image et l’écriture dans son travail. C’est précisément cette relation entre texte et image qui m’a donné envie de lui proposer de concevoir une installation pour la Rotonde.

Lorsqu’elle est venue à la Bourse de Commerce, nous avons découvert ensemble l’architecture du lieu. Elle a immédiatement été sensible à la verrière, qui lui a évoqué l’œil humain, mais aussi l’œil de la caméra, la lentille photographique. Elle a alors imaginé un ensemble de mots venant s’organiser dans cet espace et se trouver comme frappés par la lumière naturelle du ciel, à la manière d’une camera obscura. Cette idée nous a immédiatement séduits et nous avons développé le projet à partir de cette intuition.

Nous avons ensuite réfléchi à la manière de prolonger cette installation dans les vitrines, en y introduisant de la lumière, comme une extension de celle qui traverse la verrière et vient éclairer cette architecture de mots.

Le choix des textes et des auteurs a également été essentiel. Trois grandes figures littéraires ont été retenues. George Orwell apporte une dimension politique à l'installation et projette le spectateur dans une vision assez sombre de l'avenir. Roland Barthes propose une réflexion sur l'amour et ses significations. Enfin, Aimé Césaire vient peut-être apporter une forme de résolution. Sa pensée ouvre une perspective différente sur l’avenir, plus lumineuse, et laisse entrevoir une forme d’espoir.

Alors que la photographie célèbre cette année son bicentenaire, vous avez choisi de privilégier une approche thématique plutôt que chronologique. Qu'est-ce qui a guidé vos choix ?

J’ai très vite pensé qu’il fallait concevoir cette exposition autour de plusieurs sections thématiques, chacune permettant de mettre en lumière un aspect de la Collection, mais aussi d’interroger le sens même de l’image. C’est ainsi que le parcours s’organise autour de différents thèmes, comme « Devant la mer », « Sérialité et typologie », « La fabrique de l’image », « Face à face », « Le corps révélé » ou encore « Disparition / Abstraction ».

Cette organisation me permettait de faire dialoguer les genres, les points de vue et les époques, sans suivre un déroulement chronologique. À une époque où la photographie est devenue presque immatérielle, où chacun produit quotidiennement des images, il me semblait important de revenir à sa matérialité, à la photographie en tant qu’objet.

Ce que je souhaitais proposer aux visiteurs, c’était précisément cette expérience sensible : se confronter aux œuvres, à leur présence physique, et découvrir une grande circulation d’images, une sorte de fugue visuelle qui permette de traverser et de questionner deux cents ans de photographie.

De la fabrique de l’image à l’art de la composition, au fil des différents chapitres de l’exposition, vous faites entrer le visiteur dans l’atelier du photographe.

Dans la section « La fabrique de l’image », il me semblait particulièrement intéressant de présenter le portrait de William Casby par Richard Avedon, qui existe ici en trois versions. Il s’agit à chaque fois de la même photographie, mais de trois objets photographiques différents. William fut le dernier homme américain né sous l’esclavage aux États-Unis. Dans l’exposition, nous présentons d’abord le tirage original, non recadré, qui permet de voir la première version de cette image. Avedon a ensuite choisi de l’agrandir et de la recadrer pour en réaliser un deuxième tirage. La perception du portrait s’en trouve alors complètement modifiée. Il poursuit ce travail en réalisant un troisième tirage, encore plus grand, tout en conservant le même cadrage. Là encore, notre regard sur l’image change.

Puisque ces trois tirages appartiennent à la Collection, il me semblait intéressant de les présenter ensemble plutôt que d’en choisir un seul. Cela permet de montrer au public que, même face à une image identique, le format, le cadrage et la matérialité du tirage peuvent profondément transformer notre perception.

Dans l’exposition, nous présentons également de nombreux portraits de Richard Avedon. Ce sont des images savamment composées, qui témoignent de l’attention particulière qu’il accordait à la séance de prise de vue, souvent longue, mais aussi à la réalisation des tirages, puisqu’il était lui-même tireur.

Ces portraits sont présentés les uns à côté des autres, sur un même mur, invitant le visiteur à passer librement d’une image à l’autre. Cette déambulation permet de mieux appréhender la richesse de son travail et les différentes étapes du processus de création.

Vous consacrez deux espaces à deux grandes figures de la photographie, Irving Penn et Raymond Depardon, l’un américain, l’autre français. Qu’est-ce qui a guidé le choix de les présenter ainsi dans le parcours, et que souhaitiez-vous faire apparaître de leurs regards respectifs ?

Pour Raymond Depardon, j’ai choisi de présenter principalement des paysages. Il a parcouru la France à bord d’une camionnette, à la découverte de cette France de l’entre-deux, de ces territoires que l’on regarde peu. Lui-même parle de la « France des sous-préfectures ». Je trouvais intéressant de montrer ce travail photographique très soigné, qui s’attache à représenter des paysages, mais qui constitue aussi, en creux, un portrait de la France et des Français.

Dans ces photographies, on aperçoit parfois quelques personnages, mais la plupart ne montrent aucune présence humaine. Ce sont des rues désertes, des ronds-points, des écoles, des garages. À la différence des photographies d’Irving Penn, toutes accrochées aux murs, celles de Raymond Depardon sont présentées selon une mise en perspective particulière, qui permet de créer un dialogue entre les images et de saisir toute la cohérence de son travail.

Je trouvais finalement que les travaux d’Irving Penn et de Raymond Depardon se répondaient très bien. D’un côté, essentiellement du noir et blanc et des portraits ; de l’autre, des paysages en couleur. Ce sont deux grandes figures de la photographie, qui possèdent toutes deux une maîtrise technique remarquable, mais qui développent des visions et des pratiques de l’image très différentes. C’est précisément ce dialogue entre deux approches de la photographie qui m’intéressait.

Le parcours s’achève avec Ma dernière photographie de Man Ray, une œuvre qui, paradoxalement, n’est pas une photographie. Pourquoi l'avez-vous choisie ?

On n’existe que parce que l’on se souvient. Le titre de l’exposition « Remember Me » portait déjà en lui cette réflexion sur la mémoire et la disparition. Je souhaitais justement jouer avec cette idée tout au long du parcours, en proposant une progression qui mène de la représentation du corps, très figurative, vers quelque chose de plus abstrait, jusqu'à la disparition de l'image.

J’ai ainsi choisi de présenter une œuvre de Man Ray intitulée Ma dernière photographie. Or, il ne s’agit pas d’une photographie, mais d’une gouache sur carton réalisée en 1929. Je trouvais cette œuvre particulièrement forte dans le contexte de l’exposition, puisqu’elle parle de photographie sans en être une. D’une certaine manière, Man Ray semble avoir anticipé une réflexion presque philosophique sur l’image et son immatérialité.

Cette œuvre permettait également de faire le lien avec le reste de la Collection, dans laquelle François Pinault manifeste un intérêt tout particulier pour l’abstraction et l’art minimal. Il me semblait donc juste de réunir ces deux dimensions et de conclure l’exposition avec cette œuvre magnifique.

L'exposition « Remember Me » est présentée jusqu'au 18 janvier 2027 à la Bourse de Commerce – Pinault Collection, à Paris.