Edith Dekyndt

The Pinault Collection’s artist residency welcomed Edith Dekyndt for its second season. The artist paused to describe the projects she developed during her eight months in Lens, which have since been shown in major exhibitions in Europe.

Edith Dekyndt is no stranger to the mining landscapes of northern Europe. Born in Ypres, in Belgium, she studied in the Borinage area before settling in Tournai. During a 2009 exhibition at the Musée d’Art Contemporain du Grand-Hornu, located in a former coal quarry, she became interested in the large-scale industrialization of these ancient agricultural areas and its impact on the local environment and population. She found out that she had been chosen to participate in the Collection Pinault residency program as soon as it was established.

For Dekyndt, her time in Lens was an opportunity to experience life at a different pace, “to change her city-dweller’s habits, which soon become automatic” by experiencing a new “relationship to domestic life” and spending more time “inside, in the studio.” However, it was in the garden of the residency that she first began to work, burying fabric there, continuing a ritual initiated in Tournai then Berlin. The vast garden surrounding the former rectory allowed her to work on a larger scale than ever before, thus giving new meaning to this process: “I had to take advantage of the land, in this place where the ground itself has been so important, so valued, since it yielded the coal industry.”

For several years, she has been researching the notion of man’s “superiority” over animals, reading works of cognitive science, neuroscience, and philosophy (such as the writings of Vinciane Despret). For a long time, she sought out means with which to explore this question “ethically.” As luck would have it, her assistant discovered a crate filled with furs as he was packing up his apartment in preparation for a move. The apartment he was leaving was located across from Hermès’s tanneries, which they deduced must be the source of this “treasure.” Once mounted on planks of wood, the furs were partially covered with staples. Dekyndt’s violent gesture toward these “magnificent skins” was a conflicting experience, “a mixture of attraction and repulsion.” The artist compared this gesture to “what Plains Indians may have once done with animal skins.” Eskimos traditionally employed all kinds of furs as well as the guts of animals, for instance using the intestines of seals to make anoraks. Dekyndt “[adores] those kinds of objects.”

Her conviction that “architecture has an uncanny tendency to acquire too much power over people’s lives” ultimately led her to create works that are “more ephemeral and that change over time.”

Dekyndt also presented paintings in fabric and resin that she had made for her exhibition “Mer sans Rivages” at Les Sables-d’Olonne, in partnership with Frac Pays de la Loire. This time, she removed the canvases’ chassis, so that they now seemed like animal or vegetable membranes.

The final series of works presented in Dekyndt’s Berlin show They Shoot Horses (Part Two) was inspired by the artist’s travels in Brazil, in particular by some embroidered weavings she purchased from inhabitants of Belo Horizonte. Their technique, passed down through generations since the region was colonized by the Portuguese, intrigued her, especially as she noticed that lace is “rather similar to the knot-tying techniques used on ships.” Dekyndt deconstructed these fabrics, mounting them on chassis then carefully removing all horizontal threads. These grid patterns remind her of the white and blue ceramics used by Lina Bo Bardi in her design for the Museum of Modern Art of São Paulo. During her travels, she also noticed that some iconic Brazilian monuments were falling into disrepair, such as the group of five buildings designed by Oscar Niemeyer and located around a man-made lake: “there’s a garden at the entrance, but the buildings are empty, no one visits them, no one even knows about them.” For Dekyndt, the action of unweaving is a metaphor for what is happening today in Brazil, “a contamination of modernism and its resulting decrepitude.”

Edith Dekyndt n’est pas étrangère aux paysages miniers et à l’atmosphère du Nord. Née à Ypres en Belgique, elle étudie dans le Borinage avant de s’installer à Tournai. Lors d’une exposition en 2009, au Mac’s, musée d’art contemporain du Grand-Hornu, installé dans une ancienne exploitation de charbon, elle s’intéresse à l’industrialisation massive de ces anciennes régions agricoles et à son impact sur l’environnement et les populations. C’est au moment de la création du programme de résidence de la Collection Pinault qu’Edith Dekyndt apprend sa nomination.

La parenthèse lensoise est pour elle une occasion de vivre autrement, de « changer ses habitudes de citadine qu’on prend vite pour acquises » en instaurant un nouveau « rapport au domestique », en passant « plus de temps à l’intérieur, dans l’atelier ». C’est pourtant le jardin de la résidence qu’Edith Dekyndt exploite en premier en y enterrant des tissus. Elle ritualise ainsi cette pratique initiée à Tournai et à Berlin. L’espace alloué autour de l’ancien presbytère lui permet d’ensevelir des objets à plus grande échelle et de donner un sens nouveau à ce procédé : « il fallait profiter de la terre dans cet endroit où le sol a eu tant d’importance en générant l’industrie du charbon. »

Les rideaux de différentes formes et issus de processus divers, reviennent régulièrement dans l’œuvre de l’artiste. « Même dans mes photos de documentation, partout », insiste l’artiste. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si le centre de la Tapisserie des Arts Muraux et des Arts du Tissu de la Fédération Wallonie-Bruxelles (TAMAT) lui a attribué ses premières bourses. Pour elle, cette « paroi non définitive qui peut, ou non, cloisonner un espace » est tantôt protectrice quand elle isole ou enferme, tantôt exhibitionniste sur une scène de théâtre par exemple, ou chaleureuse dans des intérieurs bourgeois. Edith Dekyndt pense pouvoir expliquer cet attrait par son rapport à l’architecture. Dans les années 1990, elle travaille pour l’Escaut, un collectif d’architectes dirigé par Olivier Bastin. Cette formation l’influence encore aujourd’hui lorsqu’elle conçoit une exposition. C’est le sentiment que « l’architecture a une manière de prendre trop de pouvoir sur la vie des gens » qui la conduit finalement à créer des œuvres « plus éphémères et qui se transforment avec le temps ».

Depuis de longues années, Edith Dekyndt se passionne pour la question de la « supériorité » de l’homme sur l’animal, qu’il s’agisse de travaux de sciences cognitives, de neurosciences, ou de philosophie (à l’instar des écrits de Vinciane Despret). Longtemps, elle a recherché comment travailler « éthiquement » autour de cette question. Le hasard a fait que son assistant a trouvé chez lui une caisse remplie de fourrures, suite à un déménagement. Son appartement se trouve en face des ateliers de tannerie d’Hermès, hypothèse de la provenance de ce « trésor ». Une fois montées sur des planches en bois, Edith Dekyndt recouvre partiellement les fourrures d’agrafes. Ce geste violent sur « ces peaux magnifiques » entraîne un ressenti : « un rapport – répulsion ». L’artiste rapproche ce geste « de ce que pouvaient faire les indiens des plaines avec les peaux ». Ainsi, les esquimaux travaillaient traditionnellement toutes sortes de pelage, mais aussi des boyaux pour la confection d’« anoraks » en peau d’intestin de phoque. « [Ce] sont des objets que j’adore » indique-t-elle.

Dans une certaine continuité « organique », elle décide de retirer le châssis de tableaux en tissu et résine de bateau qu’elle avait réalisés pour l’exposition « Mer sans rivages » aux Sables-d’Olonne en partenariat avec le Frac des Pays de la Loire. Ils donnent ainsi l’impression de membranes animales ou végétales.

La dernière série d’œuvres a été inspirée des voyages d’Edith Dekyndt au Brésil, notamment de sa découverte de tissages brodés en quadrille qu’elle a récupérés chez des habitants de Belo Horizonte. Cette technique issue « directement de l’héritage portugais » l’intrigue d’autant plus qu’elle fait le constat que « la dentelle est toujours assez proche des milieux ». Edith Dekyndt déconstruit ces tissus, en retirant tous les fils horizontaux, après les avoir montés sur châssis. Ces quadrillages lui rappellent les céramiques bleues et blanches utilisées par Lina Bo Bardi, l’architecte du musée d’Art Moderne de São Paulo. Au cours de ce voyage, elle réalise le délabrement de certains monuments iconiques brésiliens. Comme cet ensemble de cinq bâtiments construits par Oscar Niemeyer autour d’un lac artificiel : « un gardien est à l’entrée mais les bâtiments sont vides, personne ne les visite, personne ne les connaît, en fait ».